28 сентября 2022 г. «Пресс-изба»

Как оставаться актуальным художником?

5 августа Дарья Кравцова, преподаватель, художник, создатель школы рисования «Клуб анонимных художников» и ютуб-канала, провела лекцию по теме «Путь самурая. Как не потерять себя в творчестве». Пресс-изба спросила ее о том, как реализовать себя в творческой профессии и оставаться актуальным художником в стремительно меняющихся условиях.

---

Расскажи, какие изменения происходят сейчас в креативной сфере? Какие направления наиболее востребованы?

Во-первых, молодым специалистам сейчас действительно нужно бежать, чтобы хоть как-то догнать индустрию и быть востребованным. Если раньше мы могли себе позволить изучать академическую базу долго и муторно, то теперь это нужно делать в сжатые сроки и под конкретную цель, сразу применяя знания на практике. Второе, активно идет цифровизация, и традиционное искусство с каждым годом теряет свою актуальность. И, соответственно, многие традиционные художники останутся без работы, потому что нейросети уже неплохо делают какие-то простые вещи, например, для игр.

На самом деле, появилось много новых профессий, но они основаны на старых. И если у человека есть академическая база и он умеет ее хорошо применять, то он легко переквалифицируется.

На данный момент самой востребованной является цифровая сфера: дизайн персонажей, художники, которые придумывают креативные идеи для искусственного интеллекта, 3D-визуализаторы, создающие VR-модели. Уже теряют актуальность визуальные художники.

Кстати, чему стоит научиться, чтобы оставаться актуальным специалистом в меняющихся условиях?

Сейчас время изобилия всего, поэтому будут цениться индивидуальность и креативность. Если раньше нужно было ориентироваться на большинство, на общество, то сейчас лучше искать что-то свое и собирать вокруг единомышленников. Теперь искусство не массовое, а камерное. Даже нейросети подбирают нам контент индивидуально. Мой TikTok и твой TikTok будут сильно отличаться: моя лента в любой соцсети будет подстраиваться под меня. И, получается, я оказываюсь в своего рода «пузыре». Мне кажется, что я вижу то, что видят все, но на самом деле, это персонально для меня. Будут актуальны специалисты, которые смогут как раз создать персонализацию вокруг себя, собрать единомышленников и будут ориентироваться на качество, а не количество.

Действительно, с каждым годом мы все больше погружаемся в цифровую реальность. Можно ли говорить, что искусство полностью перейдет в диджитал? Останется ли место для взаимодействия с произведениями искусства в физической реальности?

Конечно, это останется. Мы же все-таки с вами люди и мы хотим взаимодействовать с объектом: мы хотим его пощупать, погладить, посмотреть на него. Цифровая сфера просто расширила этот рынок. Традиционный арт-рынок становится уже и более труднодоступным, но он останется. Скорее всего, пройдет много времени, прежде чем мы придем к совсем цифровому искусству. Музеи, галереи никуда не денутся, и мы все равно будем получать эстетическое удовольствие от них. Так как человек – социальное существо, нам нужно общаться, а искусство – это один из способов общения, взаимодействия. Просто традиционного искусства будет меньше, и конкуренции будет больше.

И любому современному художнику надо обязательно начинать с традиционного искусства: рисовать от руки – и потом только переходить на планшет, иначе не закрепятся нейронные связи и не будет такого мышления, чтобы сделать уникальный продукт, потому что конкуренция на арт-рынке очень высокая. Для того, чтобы найти что-то уникально «свое», нужен фундамент. Более того, сейчас откладывается в сторону значимость образования.

Ты ведь как раз готовишь поступающих в творческие вузы. Расскажи, зачем творческие люди хотят получать фундаментальное образование, если можно пройти курс за пару месяцев и сразу получить нужные практические навыки?

Дело в том, что нужно определенное количество часов для того, чтобы освоить хотя бы небольшой навык. Конечно, может быть кто-то закидает меня тухлыми помидорами, но я за академическое образование, только в новом варианте. Я считаю, что нужно академическую базу преподавать вкупе с современными трендами, сразу применяя ее на практике в формате изучаемой специальности.

Так случилось, что наш мозг достаточно медленный, и нам нужно определенное количество часов, чтобы наши нейронные связи закрепились. И еще нам важно общаться с другими людьми. Очень важно видеть, что делают твои собратья. Ведь каждый студент решит одну и ту же творческую задачу по-своему, что хорошо расширяет кругозор и других участников. Не нужно бояться делиться идеями, ведь за каждой работой стоит свое индивидуальное восприятие. Помимо академической базы такой уникальный опыт общения и генерации идей с сокурсниками дает нам вуз. Поэтому важно учиться в институте, если мы говорим про творческую профессию: общаться между собой, обмениваться креативными идеями, смотреть, как рисуют другие, и нарабатывать 10 тысяч, 6 тысяч, 5 тысяч часов вот этой базы. То есть, на самом деле, институт нужен только для академической базы.

Но я считаю, что в новом веке эти основы должны преподаваться сразу с применением технологий. Если мы отказываемся от этого фундамента, то у нас получается совершенно недееспособный специалист. На лекции я рассказывала про девушку, которая 6 лет рисовала домики для казуальных игр, но не смогла переквалифицироваться в дизайнера персонажей. Ты не можешь оставаться актуальным, научившись только одному: нужно освоить базу, которую ты сможешь адаптировать под потребности постоянно меняющегося рынка.

Как поменять специализацию творческому человеку? С чего стоит начать?

Во-первых, нужно осмотреться вокруг. Посмотреть, что происходит, и понять, почему ты «устарел». Либо ты с пеной у рта доказываешь, что ты, например, научился идеально рисовать пейзажи и не хочешь признаваться, что стал неактуальным, либо ты признаешься, что «устарел», смотришь, что происходит с индустрией в целом, выбираешь обязательно то, что тебе нравится, что ты можешь сделать с применением своих уже навыков. Например, по сути, UI/UX-дизайн – это старый добрый веб-дизайн.

Тем не менее, многие веб-дизайнеры старой школы, которые начинали работать десять лет назад, многих терминов не знают и теряются при устройстве на работу. А все, что им надо, – это оглядеться, немного понять, что имеется в виду, пообщаться с более молодым поколением. Даже про TikTok я узнала от своих учеников.

Если постоянно смотреть вокруг, обращаясь даже иногда к школьникам за советом, то ты понимаешь, какую технологию нужно подучить. Так я перешла из традиционного рисования к освоению цифровой живописи. И обязательно нужно переквалифицироваться в ту специальность, которая тебе нравится.

Как ты думаешь, будет ли востребована междисциплинарность? Какие междисциплинарные направления в искусстве существуют? Ведь новые сферы образуются на стыке разных областей: например, дизайн и программирование, дизайн и музыка.

Так как технологии развиваются быстрее, чем развивается наш мозг, в будущем нужно вводить междисциплинарный подход, так как будет распространено совмещение нескольких специальностей. Раньше было моветоном одновременно заниматься дизайном одежды и создавать украшения: это означало, что ты не специалист. Теперь совмещение нескольких навыков – это больший потенциал для тебя как для дизайнера и художника. И я считаю, это очень круто, потому что дает большее поле для экспериментов. Например, когда-то давно я занималась высшей математикой, и она помогла мне облегчить систему построения фигур, которую я объясняю своим ученикам. Еще керамика мне очень сильно помогает: я лучше чувствую объем, и мне приходит больше идей. Чем больше будет таких интересных совмещений, тем больше будет у современного человека возможностей адаптироваться под новую реальность. Например, даже, казалось бы, не связанные вещи могут принести очень интересный результат. Некоторые художники – и я не стала исключением – пишут целые художественные произведения под свои иллюстрации. Это не только делает картинку с историей, но и хорошо продвигает творчество.

Как продвигать свое творчество? Личный бренд, соцсети, выставки, связи, сарафанное радио – какой инструмент наиболее эффективен?

Эффективно все и в то же время ничего. Как я сказала, в современном мире нельзя ориентироваться на какие-то массовые схемы. Иногда группа в 100 человек может принести гораздо больше дохода, чем огромный аккаунт на несколько миллионов. Да, такой сейчас мир. Раньше зависело очень многое от количества подписчиков.

Есть разные виды продвижения, главное – выбрать то, что близко человеку. Например, моя однокурсница сделала производство одежды. Ее нет нигде в соцсетях, но у нее все отлично продается на Wildberries. Важно собирать единомышленников вокруг себя, искать людей, которым нравится твое творчество. Не просто выстраивать свой личный бренд в традиционном смысле, а искать работу и людей «под себя». Сейчас рекламу в микроблогах покупают чаще из-за высокой лояльности аудитории: то есть появляется недоверие к массовости и поощрение репутации и индивидуального подхода.

Если массовость раньше была обязательной, то сейчас нужно ориентироваться на свой уникальный продукт и его реализацию среди круга, которому он приглянется.

А как художнику помогает включенность в сообщество единомышленников?

Твои фанаты всегда подкинут тебе заказы, найдут тебе работу. Если собираешь круг единомышленников, то всегда найдешь поддержку и никогда не останешься один. И меньше встреч с хейтом. Но речь не только про фанатов. В определенный момент я стала собирать вокруг себя таких людей, которые занимаются тем же, чем и я. Например, у меня есть знакомая искусствовед: мы поддерживаем друг друга, делаем совместное сотрудничество наших школ, обращаемся друг к другу с вопросами.

А еще от единомышленников можно получить максимально конструктивную критику. Именно когда ты делишься идеями и находишь поддержку, ты растешь не только как специалист, но и как человек. Это очень важно и для психологического здоровья, так как творческие люди склонны к депрессиям, а поддержка близкого круга – очень хорошее лекарство от них.

Как сохранить мотивацию и продолжать заниматься любимым делом творческому человеку?

На самом деле, больше всего меня вдохновляют мои ученики. Если бы ты спросила меня об этом пять лет назад, я бы сказала: Карл Лагерфельд, Пабло Пикассо. Но сейчас меня реально вдохновляет мой круг и мои ученики. Когда я вижу, как они рисуют по 3-4 часа в день, как они трудятся, переживают перед экзаменом. Благодарность учеников – это вообще самое прекрасное признание в любви, признание в любви к своему учителю. Это мотивирует меня развиваться дальше.

Меня так же вдохновляют успехи моих коллег. И я безумно счастлива, когда ученик становится успешнее меня, я считаю это тоже своей победой как учителя.

---

Интервью: Даша Севастьянова

Фото: Катя Ефименко, Слава Замыслов